Die Anforderungen an die Designgewohnheit höher schrauben

Februar 2024 | Giacomo Ardesio, Alessandro Bonizzoni, Nicola Campri, Veronica Caprino und Claudia Mainardi, die zwischen 1987 und 1989 geboren wurden, studieren noch am Mailänder Polytechnikum und gründeten 2013 das „Design- und Forschungskollektiv“ Fosbury Architecture in Mailand.

„Wir waren sehr skeptisch gegenüber der Ausbildung, die wir erhielten, und machten uns Sorgen über den zukünftigen Arbeitsmarkt. Wir wählten die kollektive Form als kollaborative Plattform zur Entwicklung autonomer Projekte und Forschung. Mit der Zeit entwickelte sich die Gruppe zu einem Studio, und heute – nach einigen Abgängen und vielen beruflichen Erfahrungen im Ausland – sind wir zu fünft“.

Der Name weckt Erinnerungen an Dick Fosbury, mit seiner innovativen Art, die Stange rückwärts zu überqueren. Es ist die gleiche unkonventionelle Art und Weise, mit der das Kollektiv an das Design herangeht: von Kurzfilmen bis hin zur Restaurierung, zum Kuratieren von Büchern und Installationen, für Fosbury Architecture ist Architektur eine „Forschungspraxis“, bei der der Fokus auf dem Prozess liegt, auf kollektiver und gemeinschaftlicher Arbeit, die über die Idee des Architekten-Autors hinausgeht.

Wie kam es zu der Analogie zwischen euer Arbeit und den Taten des großen Hochsprungmeisters?

„Unsere Produktion ist nicht gerade ‚linear‘, und jeder von uns hat individuelle Referenzen, Fähigkeiten, Interessen und manchmal echte Obsessionen entwickelt. Wir versuchen bei jedem Projekt, uns gegenseitig gut zuzuhören und immer alle Standpunkte einzubeziehen. Der einzige Mentor, den wir haben, ist Richard Douglas Fosbury, dem wir unseren Namen verdanken und dessen Geschichte für uns eine Quelle täglicher Inspiration ist. Im Jahr 1968, im Alter von 21 Jahren, gewann Dick, ein bis dahin nahezu unbekannter Athlet, die Goldmedaille im Hochsprung bei den Olympischen Spielen in Mexiko-Stadt und veränderte damit die Paradigmen seiner Disziplin. Während alle noch den Bauchsprung machten, überquerte er die Stange mit dem Rücken zu ihr: eine ebenso poetische wie auf einer sorgfältigen Studie der Spielregeln und ihrer physischen Grenzen beruhende Geste. Eine starke Metapher für unsere Arbeit, ein ‚schräger‘ Blickwinkel, den wir bei allem, was wir tun, anzuwenden versuchen”.

Euer italienischer Pavillon „Spaziale“ sollte, wie ihr sagtet, „bahnbrechende Aktionen mit einem Zeithorizont auslösen, der über die Dauer der Architekturbiennale 2023 hinausgeht“. In der Tat wurden 9 ortsspezifische Interventionen an ebenso vielen ausgewählten Orten in ganz Italien aktiviert, deren Ergebnisse in Venedig ausgestellt wurden. Wie ist diese wichtige Erfahrung verlaufen?

„Wir haben die Aufgabe, den Italienischen Pavillon zu kuratieren, als eine Gelegenheit gesehen, einer neuen Generation von Designern Raum zu geben und konkrete Projekte in ganz Italien zu fördern. Es war eine ebenso unglaubliche wie anstrengende Erfahrung, an der wir alle fünf über ein Jahr lang in Vollzeit beteiligt waren, zusammen mit den Assistenzkuratoren Lorenzo Cellini und Valeria Cesti. Dank der ständigen Unterstützung der Generaldirektion für zeitgenössische Kreativität des Kulturministeriums konnten wir lokale Projekte direkt aus dem Budget des Pavillons finanzieren, und das war eine der vielen Innovationen in diesem Jahr. Ziel war es, Ausgaben in Investitionen zu verwandeln und über den sechsmonatigen Horizont der Biennale hinaus etwas zu schaffen, das auch nach dem Ende der Ausstellung bestehen würde. Wir wollten schon seit Jahren mit den beteiligten Personen zusammenarbeiten, allesamt Fachleute, die wir respektieren, und das Beste ist, dass sie alle die Herausforderung angenommen haben, als wir sie kontaktierten, um gleich in der Wettbewerbsphase an „Spaziale“ teilzunehmen.

Die lokalen Projekte wurden in den Monaten vor der Eröffnung der Ausstellung aktiviert und sind das Ergebnis der Zusammenarbeit mit lokalen Inkubatoren, die zur Verwurzelung der Initiativen in den Gebieten beigetragen haben. Heute sind sie alle Realität, auch wenn es sich um heterogene Interventionen handelt. Bei einigen handelt es sich um dauerhafte Installationen, bei anderen um mobile oder wandernde Vorrichtungen und bei wieder anderen um programmatisch kurzlebige Initiativen, die zur Sensibilisierung der lokalen Gemeinschaften und der Debatte im Allgemeinen beitragen. Glücklicherweise gab es keine eklatanten Fehler, aber es bestand die ständige Gefahr, dass die unter Zeitdruck durchgeführten Projekte nicht greifen und als etwas von oben Aufgezwungenes wahrgenommen werden könnten. Es ist noch zu früh, um Schlussfolgerungen über die Auswirkungen dieser ‚Pionieraktionen‘ zu ziehen, aber wir haben versprochen, die Aktivitäten in Zukunft zu beobachten, und auch Sie können sie beurteilen, indem Sie zum Beispiel den Uccellaccio-Park in Ripa Teatina (CH) oder den neuen Boulder des Verbands Sgrafa Masegni in Marghera (VE) besuchen“.

Was war euer erstes Projekt, an dem ihr als Kollektiv beteiligt wart?

„Der erste richtige ‚Auftrag‘ kam 2015, als Leeuwarden Europan 13 gewann, eine reizvolle Stadt im Norden der Niederlande, die 2018 Kulturhauptstadt Europas werden sollte. Der Plan sah vor, das städtische Wohnungsangebot zu erweitern, ohne neue Gebäude zu errichten, indem die zahlreichen verlassenen Erdgeschosse genutzt werden, die wir während der Untersuchung kartiert hatten. Ein einfacher Vorschlag, der aber von der Jury und der Abe-Bonnema-Stiftung, die den Preis gefördert hatte, für gut befunden wurde und uns den Auftrag gab, das Projekt weiter zu untersuchen. Obwohl am Ende nichts daraus wurde, erwies es sich als ausgezeichnetes Übungsfeld für die kommenden Jahre und gab uns die Mittel, unser erstes Büro zu mieten“.

Ihr habt an einem kuriosen Projekt gearbeitet, der vollständigen Kartierung unvollendeter öffentlicher Bauwerke in Italien – ein Katalog mit rund 700 Werken, der 2018 bei Humboldt Books erschienen ist. Wofür habt ihr es verwendet?

„Incompiuto ist eine Recherche, die wir seit vielen Jahren verfolgen und für die wir dem Künstlerkollektiv Alterazioni Video immer dankbar sein werden, das es geschafft hat, ein eigenartiges und einheimisches italienisches Phänomen von der Ebene der skandalösen Denunziation auf die Ebene der Kultur zu bringen. Die Arbeit an der ersten umfassenden Kartierung unvollendeter öffentlicher Bauwerke hat es uns ermöglicht, eine noch nie da gewesene Geografie des Bel Paese – Italien – zu erfassen und uns der scheinbar unmöglichen Herausforderung zu stellen, verlassenen, oft unerwünschten und manchmal völlig nutzlosen Strukturen und Infrastrukturen wieder einen Sinn zu geben. Für uns trägt das, was viele als „Ökomonster“ bezeichnen, dazu bei, den wichtigsten architektonischen Stil seit dem Zweiten Weltkrieg in Italien zu definieren, und wir sind ganz verliebt in ihn“.

Eure Tätigkeit reicht von der Gestaltung des öffentlichen Raums bis hin zu Innenarchitektur und Ausstellungsdesign. Fosbury ist ein Architekturbüro, das urbane Strategien, die Wiederverwendung bestehender Gebäude, temporäre Installationen, Ausstellungsdesign, redaktionelle Projekte, kuratorische Tätigkeiten und Bildungsprogramme entwickelt. Könnt ihr uns von ein paar wichtigen Erkenntnissen aus eurer Designerfahrung berichten, die sich ständig zwischen verschiedenen Maßstäben bewegt?

 „Ein Projekt im Zusammenhang mit der Restaurierung ist das historische Labyrinth der Villa Arconati, ein wunderbares Beispiel des lombardischen Barocks, an dem wir in Zusammenarbeit mit dem Musikfestival Terraforma gearbeitet haben. Ausgehend von der Idee, den Garten als architektonischen Park umzugestalten und den Spuren des ursprünglichen Entwurfs von Marc’Antonio Dal Re zu folgen, wurde beschlossen, das Labyrinth so wiederherzustellen, wie es war und wo es war. Das kreisförmig angelegte Labyrinth hat einen Durchmesser von 36 Metern, eine Gesamtfläche von etwa 1000 Quadratmetern und ist auf vier Achsen und fünf konzentrischen Ordnungen organisiert. Aus wirtschaftlichen, logistischen und ökologischen Gründen wurde das Labyrinth in 3 Etappen angelegt. Die kompositorische Wahl der Abschnitte zielte darauf ab, jedes Jahr eine vollendete und in sich geschlossene architektonische Wirkung zu erzielen: der Hortus Conclusus, die Enfilade und das abschließende Labyrinth, das in diesem Jahr während des Festivals eine „Invisible Gesture“-Performance von Nkisi und Jazmon in Voss ermöglichte“.

Labyrinth der Villa Arconati, Bollate (MI), 2018 (Foto©Achille Mauri)

Urban Center Prato ist eine Intervention zur Wiederverwendung und Refunktionalisierung, die wir in einem der Räume des Centro Pecci realisiert haben, der von der letzten Erweiterung betroffen war. Auf dringenden Wunsch der Stadtverwaltung von Prato und der Stiftung für zeitgenössische Kunst in der Region Toscana haben wir das Urban Center konzipiert, eine permanente Werkstatt für die laufenden städtischen Veränderungen. Durch die Gestaltung einiger weniger minimaler Geräte ist UC als flexible Plattform konzipiert, die Platz bietet für: einen Raum für immersive Installationen, ein Theater, einen Spielplatz zur Sensibilisierung für Nachhaltigkeit, ein Schaufenster für die Stadt und vieles mehr. Zur Eröffnung hat Fosbury Architecture die erste temporäre Ausstellung „Osservatorio Prato 2050“ kuratiert, die den in der Stadt Prato aktiven Projekten und den lokalen und internationalen Netzwerken gewidmet ist, die jedes dieser Projekte aktiviert.

Urban Center Prato, Centro Pecci für zeitgenössische Kunst, 2021 (Foto©Ela Bialkowska, OKNOstud)

Zeitweilige monografische Ausstellung “Characters”, Magazin, Exhibition Space for Contemporary Architecture, Wien, 2022 (Foto©Simon Veres)

Characters, schließlich, ist sowohl eine Ausstellung als auch eine Installation, die beide aus einer Untersuchung des häuslichen Bereichs hervorgegangen sind, die wir seit 2017 durchführen. Die Forschung bringt alternative Modelle von Innenräumen zusammen, die als Gegenmittel gegen die Kommerzialisierung des Heims fungieren; Räume, die irgendwo zwischen Architektur und Möbeln angesiedelt sind, um abneigende Charaktere zu integrieren.

Die Installation ist als Innenraum im Maßstab 1:1 konzipiert und besteht aus einer Reihe von Volumen, die die konventionellsten häuslichen Gewohnheiten interpretieren – wie Schlafen, Reden, Entspannen usw. Zu diesem Anlass ist die Galerie als ein mit Teppich ausgelegter Innenraum aus einem einzigen Material konzipiert, der als Sinnbild für Häuslichkeit gilt. Der der Teppichboden ist aus zweiter Hand. In Zusammenarbeit mit Meta, einem Lagerhaus für Wiederverwendung in Mailand, haben wir lilafarbenen Teppichboden von der Prada-Modenschau F/W 2021 verwendet, der gereinigt und kiloweise verkauft wurde, um alle vorhandenen Flächen und alle von uns gebauten Volumen zu bedecken. Durch diesen äußerst nachhaltigen Prozess entsteht eine einzigartige immersive Umgebung, die eine breite Palette informeller Beschäftigungen im Ausstellungsraum ermöglicht und in der man über die projizierten Kurzfilme und imaginären Figuren fantasieren kann“.